西方现实主义油画有哪些特色？

十九世纪初，新古典主义和浪漫主义绘画艺术在西方盛行，而随着工业化的发展，欧洲各国社会发生了巨大变化，城市聚集了大量的人口，而普通劳动者创造的财富最后都落到少数人手中，艺术家们从以往注重描绘宗教题材和自然风景转而关注当时的社会现实，用文字和绘画等艺术形式来反映社会矛盾，表现普通人的生活状态。

米勒等一批画家离开巴黎，聚集到枫丹白露的巴比松村，在这里一边种地一边进行艺术创作。

现实主义画派的代表人物有米勒、柯罗、库尔贝、博德里、巴斯蒂安等等。

西方现实主义的油画的特点一是绘画对象的客观性，客观地去表现真实的生活，画面自然、朴实 第二个特点是对现实中的生活进行概括，提炼出典型化的人物形象。现实主义画派对欧洲以至整个西方绘画艺术的发展有着深远的影响。

图1《蒙特枫丹的回忆》，图2《筛麦子的女人》，图3《牧羊女》

西方现实主义油画有哪些特色？

绘画的表现形式和思想内涵两者间关系独立而又相互依存。文艺复兴时代的画家注重构思典型情节和塑造典型形象。现实主义要求艺术家揭示事物的本质。在现代派这里传统的画面构成法则都被逐渐放弃，创造者的印象、感受成了主导。

艺术品的表现形式和思想内涵两者间无非是主次、渗透与融合的关系。这些关系独自存在、相互依存又逐渐演化，形成了无数的经典作品，表达了不同时期艺术家的深刻思想和探索、追求的勇气。

在古典主义风格盛行的时期，各个民族和地区的艺术流派都呈现出独特的表现形式与精神意义。以古希腊、罗马神话、历史事件以及圣经故事为绘画题材，表现某种哲理观念和社会问题，宣扬一种理想化的崇高境界。

文艺复兴时代的画家形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。这一时代的意大利画家比较注重明暗法的运用，画中景物的暗部统一笼罩在阴影中，明暗交界线呈柔和的过渡，造就了画面集中而浑然的效果。

“现实主义”一词早在十九世纪初的哲学领域即已出现。现实主义要求正确、完全、忠实地描写当下生活的社会环境，譬如库尔贝等画家利用写实的技法，描绘当时不太被重视的农民和劳动者，所代表的理念恰巧与学院理念反其道而行，成为具有革命性的开创之举。

快节奏的社会生活赋予了这些标新立异的现代派艺术家们以更多的褒贬和争论。印象主义、表现主义、概念艺术等等各个流派丰富多变。在这里传统的画面构成法则都被逐渐放弃，创造者的印象、感受成了主导画面一切的原动力。历史崇高感与现实生活的体会都不如当前生活即时赋予的感受来得更真实、鲜活！

　　用阅读作品的方式来审视我们熟悉的美术史，以及思考各个艺术流派的独特关联，肯定会得到深层次的理解与感受。绝不能仅仅单纯地对作品形式因素进行表面分析，而脱离作品产生的时代背景。只有这样我们才可以对大多数油画作品的内容进行全面分析，并且引导艺术家去思考如何融会与吸收，以创造充满时代力量的新艺术。

西方现实主义油画有哪些特色？

西方现实主义油画

大多数人喜欢在画上看到一些在现实中也爱看的东西，这是非常自然的倾向，于是聪明智慧的画家把现实世界生活中的真实人物事件“搬”到画作中，这种现象在西方油画作品中很常见，这种油画被称之为“现实主义”流派，那么西方现实主义油画有哪些特色呢？

首先，“形象逼真”是西方现实主义油画的一个特色，这4个黑体字的意思很容易理解，画家将现实世界中的人或物高度还原在油画作品中，形态特征、肌肤纹理通过线条色彩呈现出来，

值得注意的是“高度还原”并不是加以美化，（好比美颜、滤镜的意思），简单来讲“高度还原”就是现实真人真物是什么样子表情心理，那么油画作品中就是什么样子表情心理，画家创作时不添加任何一点想象夸张的细节，这叫高度还原；

其次，人们可以通过油画作品的人物场景，感受到现实世界中的人物场景的过程状况，这是西方现实主义油画“情境相融”的一种特色，画面中的人物场景是紧密联贯衔接的关系，

可以这样理解比喻现实主义油画好比有时间、地点、人物以及事件发展起因结果的小说，同时也包含了画家个人对人物事件的看法寓意——批判或颂扬，现实主义油画具有强烈的情感共鸣元素效果，

因为它以反映真实的生活为最高原则，而且还是以现实生活中最有代表性的人物事件为作品的创作题材，并不是随随便便的某个人某个场景就能被现实主义画家用于创作，当然了，现实主义油画题材通常都显的很平凡，比如乡村就是现实主义画家的重要题材。

之所以说乡村是现实主义画家创作的重要题材，那是因为绝大多数人都在乡村，或是来源于乡村，那绝大多数人对乡村有着深刻的记忆，于是现实主义画家总是深入乡村寻找创作素材，创作出来的作品朴实真切，

完美的诠释了“艺术来源于生活”的真实理念，很好的迎合了人们的审美喜好，现实主义画家拥有一大批忠实的粉丝，这主要是因为现实主义油画是画家用来批判社会丑陋现象的“武器”，将普通人的身份地位提升到一个新的高度，

比如19世纪的法国现实主义画家库尔贝曾将社会各个阶层的人，富商、农民、律师、哲学家、音乐家、戏剧演员、乞丐等共同画进同一幅油画作品《画室》中，库尔贝借此画作批判了“人以群分”的荒谬理念，

“人以群分”这其实是一种人性的歧视，库尔贝将身份卑微的乞丐和富商、音乐家等身份高贵的人画在一起，这就寓意了人人平等的思想观念，（由于《画室》油画裸露尺度太大，就不便上传了）或者说艺术面前人人平等，而这也是现实主义油画的意义价值及一大特色。

西方现实主义油画有哪些特色？

西方现实主义油画具有写实，立体，特写，唯美，色彩等特色。

写实是现实主义油画家创作的核心特色。一切都是依模特之型进行油画创作。有的作品可以对照人你们熟悉的现实中的人。对其构图，形象，色彩，光影，高低等基本上都是写实为基。这一特色十分明显。有的欣赏者甚至把油画作品和人物照乱真了。

立体同样是写实主义画家创作油画艺术作品的主要特色。我们可以看到人物的面部是立体的。我们可以欣赏到人物的身体几近真人。在人物肖像油画中，如果和真人比例相当，会有人会误以为现实中的人。现实主义油画中的人物是立体的，而各种静物立体感也十分之强。与现实中的物无二。故我们说，主体是现实主义油画家创作的主要特色。

现实主义油画家的创作还有一个特色，正是唯美。唯美的创作特色，才使现实主义油画有了真正的意义。西方人创作美女油画艺术作品，都把其创作成美的女神，爱的女神。这才使创作的主旨。这同中国画的写意有异曲同工之妙。有了唯美的形象，再加上有了美的女神，爱的女神，惠的女神，淑的女神。唯美之意全出。因而油画艺术作品才有了艺术价值。

油画中的《美惠三女神》，可以说是很典型的。三个美女的三个侧面，形成了一个36o度无死角的美女全息形象。把写实，立体唯美特色全部囊括其中，堪称得上艺术经典。

现实主义油画艺术特色，让油画创作真实可信，是油画家当了社会的秘书，把真实留给人间，把人物青春留给后世，把剧情留给艺术。

现实主义的油画艺术杰作，记录了人世间的真善美。值得人们去欣赏推敲。(认同请关注，诚谢)。

西方现实主义油画有哪些特色？

我🈶️话说

卡拉瓦乔的现实主义作品《静物》

西方现实主义油画是有其悠久的历史传统，主要源自于17世纪西班牙。在卡拉瓦乔的自由观念的影响下，给西班牙绘画建立了鲜明的现实主义传统。

里贝拉的现实主义作品《男孩》

里贝拉是“卡拉瓦乔主义”画家，他从顽童、乞丐中找模特，把他们原样不动地画下来。他笔下的那些沿街乞讨的孩子乃至哲学家都以并不完美的外在形象出现在作品里：烂掉的牙齿、残缺的肢体、蓬头垢面、饱经沧桑，将一种前所未有的、冷峻严酷的社会现实主义引入到17世纪的绘画。

委‬拉‬斯‬凯兹‬的现实‬主义作品‬《伊索‬》

委拉斯凯兹虽然是宫廷画家，却并未忘怀那些不幸和贫苦的人，他曾画了好几幅流浪汉、乞丐的作品，并给他们取了古代名人的名字：寓言家《伊索》，哲学家《梅尼普》，他怀着深切对同情，画了供贵人们玩弄取笑的侏儒、白痴们；以温厚的人道精神，把外形丑怪的人物表现惹人心酸，用客观的眼光看待普通民众的生活，开辟了艺术史上的独有的审美领域。

委‬拉斯‬凯兹‬的现实主义作品《侏‬儒塞‬巴‬斯‬蒂‬安》

譬如《侏儒塞巴斯蒂安》，侏儒的身体象孩子一样，双脚平伸坐在地上，短小的手臂按在腹前；而他的头部却完全是个成人，尊严的面容上显露出内在的智慧和善良，可是在他那双深邃的眼睛里含着无限的哀怨和苦痛。即使是在画《教皇英诺森十世》，依然保持着现实主义的绘画精神，真实地表现出教皇鲜明的个性。

委‬拉斯‬凯兹‬的现实主义作品《教皇‬英‬诺森十世‬》

委拉斯凯兹是一个深思而又谨慎的人给自己专门画画的作品也很少，甚至在《宫娥》的大构图中，把自己摆在一个角落里。这种性格和涵养，使他善于运用恰当的方式表达自己的审美观。画家追求平静、朴素、真诚、客观的艺术态度成为社会的主流形式，在许多画家的作品中都有呈现，它包括17世纪荷兰画派中独立的艺术样式——静物画和风景画。人物画家有西班牙画家牟利罗、苏巴朗，荷兰画家伦勃朗、维米尔、哈尔斯、霍贝玛、威廉·海达，法国画家勒南、夏尔丹等，直到18世纪法国浪漫主义出现后，现实主义的绘画风格几乎成为了一种普遍存在，画家有席里柯、德拉克洛瓦……

西方现实主义油画有哪些特色？

古希腊的雕塑家以及绘画家，仿照埃及壁画的画法，进行雕刻和绘画的艺术创作。

所以刚开始的时候，完全照抄古埃及人的侧脸单眼式的画法。

经过很长时间仿制以后。首先由建筑上达到突破。

这就是古希腊神庙的视觉修正方式。

也就是把各个石质建构的庙宇的立柱，依据人的视觉效果进行补修。从而形成了秀美的比例恰当的仰视效应出现。

具体的方法则是，一句人眼睛的视觉效果，对一些物体进行变形。使原本不协调，恰当的比例变得协调恰当起来。

比如古埃及的石柱。仰视这个巨大的石柱的时候，底下特别粗大。像中间就稍稍有点鼓起来，当到达顶点的时候就缩小了。

而古雅典庙和宙斯神庙进行了这种立柱的修补。使顶部的柱头部分稍微粗大一点，中间的部分稍微外旋以及缩小一点，底部则按照通常的做法就行了。从而达到了，再看这个立柱的时候，上下就一致了。

当绘画和雕刻人的时候，也用这个方法，把眼睛和鼻子突出一些，把身子缩短一些，把胳膊腿儿伸长一些。造成在远看的时候比例特别恰当的视觉效果。

古中国人也有这种视觉的修补方式。这就是修造神像的时候，巨大的神像的头部要修的稍微大一点，从而当把神像放于平地的时候，就看上去像个大头娃娃一样了。但是如果放在神坛上高高在上，人们仰视他的时候，头和身体的比例就恰当了。否则就身子大头太小了。

所以古希腊的庙宇建筑群，个个都很精巧精美的。不再是古埃及那种粗大巨宏的石质建筑物行事了。

只不过同中国相比，不论是古埃及还是古希腊以及古罗马，都是石器时代用石头制造一切的顶峰形式。没有进入中国更进一步现代化的土木结构时代，也就是中国脱离了用石头制造一切的时代，而进入了用木材建造一切的时代。

但是欧洲文艺复兴以后，欧洲进入了铁造一切的时代。中国仍然停留在土木制造一切的时代。从而欧洲又比中国先进发达了。

现在的中国，只不过是在追赶欧洲和美国的金属制造一切的时代。只不过被文章和报纸报刊说成是工业化罢了。

古希腊去除古埃及的粗大笨拙，但是宏伟的建筑方式。达到了视觉修补的精美精细化的建筑方式。这就影响了雕刻和绘画。

从而古希腊以及古罗马的雕刻绘画就有了弥补视觉差的人体的比例，稍微修改一下的美取向的画法雕刻方法。

背书，与人云亦云的写文章写评论的人，把古希腊古罗马的这种修改方式称为现实主义，美术艺术。

也就是人体比例匀称，五官部位恰到好处的，雕像雕刻方法和绘画绘画方法。

但是万变不离其宗。

仿照古埃及时候的欧洲绘画和雕刻艺术家。也是按照古希腊那样宣扬神的功能的。

只不过古希腊和古罗马的艺术家把人作为了一点儿首要的突出位置，并且努力的还原神学，神教宗教的原本意图。

从而采用了裸体式的神和裸体式的人的绘画风格以及雕刻风格。

因为，神学，神教宗教的原本内涵就是创造者为神。不过文章和文字愿意说成造物主罢了，并且用创造宇宙和地球上的一切为体现为解释。从而把人工制造创造的一切就忽视了。成为人工制造的一切，是为了奴隶主或者是帝王服务及享用。

这就是人工制造和创造的一切，这个创造者就是奴隶。享有人工制造的物品的，自己又不制造生产的人，就成了奴隶主或者是帝王以及帝王的跟随者了。

即，创造宇宙以及地球和地球上一切的人是神。而制造和创造以及生产人类所需要一切的人，这是奴隶。不制造不生产，只享受他人制造产品的人就是奴隶主或者是帝王以及帝王的跟随者。

这就是文字文章以及书籍上写的，神用的法器，帝王用的宝物，全是人间的极品作品。并且在渲染的时候如同神用了才，使这些器皿成了法器；帝王用了就成了宝物。工匠制作出来的这些产品制品，没有一点法气的意味和宝物的意味，都是一些破烂货；只有神用了和帝王用了，才成为法器和宝物的。

只不过讲述宝物和法器的来历的时候，就是抢去了，抢不着就用战争打败对方，得到了。

这是因为神和帝王自己不会制造这些器皿。所以必须抢和用战争的方法，多到别人做的宝器宝物。而工匠因为自己能制造出来并且再制造出来，所以他们不留在身边也不自己使用的。从而工匠对这些法器和宝物就不拥有了，也不实用了。只有神使用法器和帝王使用宝物了。

所以事实上法器和宝物都是由工匠们造出来的。不是神和帝王造出来的。

因此当古罗马的工匠和雕刻师绘画师，属于制造生产者，而等同于奴隶。从而他们就把人与神都弄成赤身裸体似的。以展示神与人是一样的结构以及形态形式。

这是古希腊和古罗马愿意用赤身裸体雕像和绘画的原因。也就是向人们展示神与人在形体上没有半点区别和差异。

从而也就表示了神创造一切。工匠以及雕刻师绘画师也创造一切。两者是一样的。

可是不劳动生产制造的人群，则认为这种赤身裸体，是人体美的标识以及表现了。因为他们除了吃喝玩乐以外就是生殖生育了。生殖生育是需要赤身裸体的。

欧洲文艺复兴以后，学仿古希腊和古罗马的艺术风格。否则也就不称为文艺复兴了。

所以文艺复兴后的，欧洲文学文艺以及艺术。渐渐的步入了写真时代。

欧洲的艺术作品雕刻和绘画。可以步入写真时代，就是因为有了中国古人的古镜孑制造方法。从而绘画以及雕刻的草稿时，可以依据镜子里面的景物人物进行草稿设计和绘画了。只不过艺术评论家给说成是单点视觉的透视画法，并且同古中国的多点透视方法式的，连环画的绘画以雕刻方法，严格的区分开来了。

实际上就是在镜子里面看景物，按照镜子里面的一切进行的绘画。和用人的肉眼看一个局部，再看另一个局部进行的绘画和景物描述。

只不过古中国绘画强调的是形象近似就可以，摒弃完全象真实的东西一样。因为完全同真实的东西一模一样了，就不是绘画了，而是相片的照片儿了。

相片的照片在有摄像素以后欧洲人才明白。从此欧洲绘画就堕入了迷茫。从而进入了怪诞世的怪诞扭曲式的方法。用老百姓的认同标准，这说成是显示丑的绘画方式方法了，不再是显示美的绘画创作方式方法了。

所以中国学欧洲绘画的人去毕加索那里学画画。毕加索说绘画在中国来这里学习干什么？并且开始用中国的泼墨方法绘画了，也练习中国的皴法绘制图形的方法了。而怪诞的绘画风格就是毕加索创造出来的，只不过被文学评论家说成是几何图形的立体画法了。

悟空问答看后咱也在上面留上点啥。